Innhold

• Steps
• Tips
• advarsler

Se for deg: du har en manusidee - a flott idé - og ønsker å gjøre det om til en komedie eller drama-fortelling. Hvordan fortsette? Det kan til og med være lurt å gå til nyhetsrommet på en gang, men stykket vil være mye bedre hvis det er godt planlagt trinn for trinn. Gjør en idédugnad og lag en oversikt over strukturen for å segmentere og forenkle prosessen.

Steps

Del 1 av 3: Samle ideer

1. 

   Bestem hva slags historie du vil fortelle. Selv om hver historie er forskjellig, faller de fleste skuespillene i kategorier som hjelper publikum med å forstå og tolke forholdene og hendelsene som finner sted i teksten. Tenk på karakterene du vil skildre og hvordan historiene deres vil utfolde seg. De:
   • Må du løse et mysterium?
   • Går du gjennom en serie delikate situasjoner for å vokse som mennesker?
   • Slutter de å være naive og få livserfaring?
   • De står overfor en farlig reise, som Odysseus i 'Odysseen?
   • Får de orden på ting?
   • Overvinner de ulike hindringer for å nå et mål?

2. 

   
   
   Brainstorm de grunnleggende delene av fortellingens bue. Fortellbuen er progresjonen til stykket fra begynnelse til midten og slutt. De tekniske begrepene for disse tre delene er "eksponering", "økende handling" og "oppløsning" - alltid i den rekkefølgen. Uansett lengde eller antall handlinger i stykket, forfatteren noen gang du må utvikle disse tre elementene. Organiser hvordan du vil utforske hver og en før du skriver den endelige teksten.

3. 

   
   
   Bestem hva du vil inkludere i utstillingen. Utstillingen starter stykket, og bringer den grunnleggende informasjonen om plottet: hvor og når foregår historien? Hvem er hovedpersonen? Hvem er sekundærpersonene, inkludert antagonisten (personen som forårsaker den sentrale konflikten)? Hva er karakterenes sentrale konflikt? Hva er den teatralske sjangeren (komedie, drama, tragedie osv.)?

4. 

   
   
   Gjør eksponering til voksende handling. I den økende handlingen blir situasjonene karakterene møter mer og mer kompliserte. Den sentrale konflikten er hovedelementet og er med på å gjøre publikum mer og mer anspente. Denne konflikten kan skje med en annen karakter (antagonisten), med en ytre tilstand (krig, fattigdom, separasjon fra den kjære) eller med hovedpersonen selv (for eksempel å overvinne usikkerhet). Den voksende handlingen fører til historiens klimaks: det mest anspente øyeblikket, når konflikten er i en kritisk situasjon.

5. 

   Bestem deg for hvordan konflikten skal løse seg selv. Oppløsningen stopper spenningen i klimaks-konflikten og avslutter dermed fortellingens bue. Du kan tenke på en lykkelig slutt (hvor hovedpersonen får det han vil), tragisk (der leseren lærer noe av hovedpersonens fiasko) eller en denouement (der alle spørsmål blir besvart).

6. 

   Forstå forskjellen mellom plot og historie. Fortellingen om stykket er sammensatt av "plottet" og "historien" - to distinkte elementer som er utviklet sammen for å fange publikums oppmerksomhet. Den britiske romanforfatteren E. M. Forster definerte "historie" som det som skjer i stykket i kronologisk rekkefølge. "Plottet" er på sin side logikken som forbinder hendelsene som skjer i stykket, noe som gjør dem emosjonelt innflytelsesrike. Et eksempel på forskjellen:
   • Historie: hovedpersonens kjæreste slo opp med ham. Da mistet han jobben.
   • Plott: hovedpersonens kjæreste slo opp med ham. Uforsvarlig, han hadde et følelsesmessig sammenbrudd på jobben og endte opp med å få sparken.
   • Du må utvikle en historie som er interessant og som hjelper til med å utfolde stykket i et tempo som fanger publikums oppmerksomhet, mens du viser hvordan de er koblet på en tilfeldig måte. Det er slik publikum begynner å bry seg om karakterene og hendelsene.

7. 

   Utvikle historien. Du kan ikke utdype den emosjonelle resonansen til plottet uten at historien er interessant. Tenk på de grunnleggende elementene i stykket før du begynner å skrive det. For å gjøre dette, svar på følgende spørsmål:
   • Hvor finner historien sted?
   • Hvem er hovedpersonen (hovedpersonen) og hvem er de viktige sekundærpersonene?
   • Hva er den sentrale konflikten mellom disse karakterene i stykket?
   • Hva er den "første hendelsen" som setter i gang skuespillets handling og fører til den sentrale konflikten?
   • Hva skjer med karakterene under konflikten?
   • Hvordan løses konflikten på slutten av stykket? Hvordan påvirker det karakterene?

8. 

   Utvikle plottet for å utdype historien. Husk at plottet er med på å utvikle forholdet mellom alle elementer i historien (listet opp i forrige trinn). Når du tenker på det, prøv å svare på følgende spørsmål:
   • Hva er forholdene mellom karakterene og hverandre?
   • Hvordan samhandler karakterene med den sentrale konflikten? Hvilke blir mest påvirket? Som?
   • Hvordan kan du strukturere historien (hendelsene) slik at de rette karakterene samhandler med den sentrale konflikten?
   • Hva er den logiske, tilfeldige progresjonen fra den ene hendelsen til den neste - og den som er med på å bygge en kontinuerlig flyt mot klimaks og oppløsning?

Del 2 av 3: Tenker på strukturen til stykket

1. 

   Begynn med et skuespill i en handling hvis du ikke har noen erfaring. Før du skriver stykket, må du ha en følelse av hvordan du vil strukturere det. Enakterspillet har ingen pauser og er derfor ideelt for nybegynner dramatikere. Et eksempel på et skuespill i en handling er Rafameia eller Boi-de-Fogo, av Gilvan de Brito. Selv om dette er den enkleste strukturen, må du huske at hver historie trenger en fortellerbue med eksponering, økende handling og oppløsning.
   • Ettersom skuespillene i en akt ikke har noe intervall, er scenariene, skuespillernes klær og andre tekniske forhold enklere.

2. 

   Ikke begrens lengden på spillet ditt i en akt. Denne strukturen har ingenting å gjøre med showets varighet. Stykkene kan ha variert varighet: noen har ti minutter, mens andre varer en time.
   • Noen stykker i en akt varer fra noen sekunder til ti minutter. De er ypperlige til skolepresentasjoner og lignende, så vel som konkurranser for det spesifikke formatet.

3. 

   Skriv et skuespill i to akter for å lage en mer sammensatt historie. Dette er den vanligste strukturen i moderne teater. Selv om det ikke er noen spesifikk regel angående lengden på stykkene, varer hver handling omtrent en halv time - med et intervall imellom. I løpet av dette intervallet kan publikum gå på do eller slappe av, tenke på hva som skjedde og diskutere konflikten som ble vist i første del. I mellomtiden tilpasser teamet skuespillernes natur, klær og sminke. Hver pause varer omtrent 15 minutter. Ta hensyn til dette når du skriver.
   • Arbeidet En rubin i navlen, av Ferreira Gullar, er et eksempel på et skuespill i to akter.

4. 

   Tilpass plottet til strukturen med to handlinger. Med denne strukturen har delmonteringsgruppen mer tid til å gjøre tekniske justeringer. Ettersom showet har en pause, er det ikke mulig å gi historien en så flytende fortelling. Strukturer det med dette intervallet i tankene for å gjøre publikum anspente og engstelige for hva som kommer etter første akt - umiddelbart i den økende handlingen.
   • Hovedhendelsen må skje midt i første akt, etter kontekstualisering og eksponering.
   • Etter hovedhendelsen, skriv flere scener som gjør publikum anspente - enten de er dramatiske, tragiske eller komiske. De må føre til en konflikt som avslutter første akt.
   • Fullfør første akt rett etter historiens mest anspente punkt. Publikum vil være engstelige for slutten av pausen og begynnelsen av andre akt.
   • Begynn den andre handlingen med mindre spenning enn slutten av første akt. Dermed vil ikke offentligheten bli skremt eller kjenne tross.
   • Skriv flere scener i andre akt som øker spenningen i konflikten som fører til klimaks (the mer spent), rett før slutten av stykket.
   • Skriv den fallende handlingen og oppløsningen for ikke å avslutte brikken brått. Ikke hvert skuespill trenger en lykkelig slutt, men publikum må føle spenningen som er bygd opp over handlingene som blir gitt ut.

5. 

   Bruk strukturen med tre handlinger til lengre, mer komplekse tomter. Hvis du er uerfaren, er det best å starte med et skuespill i en eller to akter - da de med tre akter er lengre. Det krever mer erfaring å sette opp en produksjon som fenger publikum i omtrent to timer. Likevel, hvis historien du har tenkt å fortelle er mer sammensatt, kan det være bedre å skrive de tre aktene. Akkurat som når det er to, har forsamlingsteamet mer tid til å tilpasse naturen, klærne osv. i pauser. Følg denne modellen:
   • Første akt er utstillingen: introdusere karakterene og relevant informasjon gradvis. Få publikum til å skape hengivenhet for hovedpersonen og situasjonen han befinner seg i - slik at det kommer en emosjonell reaksjon når ting begynner å gå galt. Denne handlingen må også presentere problemet du vil utvikle deg i resten av stykket.
   • Andre akt er komplikasjonen: situasjonen blir mer risikabel og anspent for hovedpersonen, mens problemet også er mer komplisert. Du kan for eksempel avsløre viktig informasjon i nærheten av klimaks. Denne åpenbaringen må forlate hovedpersonen sviende - til han har styrke til å løse alt. Slutten av andre akt er håpløs, med den sentrale karakterens planer i ruiner.
   • Den tredje akten er oppløsningen: hovedpersonen overvinner hindringene fra forrige akt og finner en måte å nå avslutningen på stykket. Husk at ikke alle stykker har en lykkelig slutt; helten kan for eksempel dø. Det viktige er at publikum lærer noe av opplevelsen.
   • Arbeidet Aranhol, av José Sizenando, er et eksempel på et skuespill i tre akter.

Del 3 av 3: Writing the Play

1. 

   Skisse handlingene og scenene. I de to første seksjonene av denne artikkelen brainstormet du grunnleggende ideer for fortellingens bue, historien og plottet og strukturen. Før du begynner å skrive selve stykket, legger du alle disse elementene på papir i detalj.
   • Når skal du introdusere de viktige karakterene?
   • Hvor mange forskjellige scener skal du ta med? Og hva skjer egentlig i hver enkelt?
   • Skriv hendelsene og tenk alltid på den progresjonen de gir til plottet.
   • Når må teamet endre scenariet? Klærne? Tenk på disse tekniske elementene når du planlegger delen mer detaljert.

2. 

   Videreutvikle omrisset for å skrive stykket. Begynn med de mest grunnleggende dialogene, uten å tenke på om de er naturlige eller hvordan skuespillerne vil spille karakterene. I den første disposisjonen, trenger du bare å bekymre deg for de mer generelle delene.

3. 

   Lag naturlige dialoger. Gi skuespillerne et godt konstruert manus slik at de tolker linjene på en menneskelig, ekte og emosjonell måte. Ta opp deg selv når du leser dialogene høyt, og lytt til lyden. Vær oppmerksom på deler som høres robot eller grøtaktig ut. Husk at selv når det gjelder et litterært stykke, må karakterene fremdeles høres naturlige ut. Forsøk for eksempel ikke å bli lært når hovedpersonen klager på noe på jobb eller på middag.

4. 

   Skriv tangensielle samtaler. Alle rusler litt når de snakker med venner og kjente. Selv om du må tenke på progresjonen av konflikter i stykket, er det fortsatt rom for distraksjoner - noe som gjør teksten mer realistisk. Når hovedpersonen for eksempel snakker med noen om å avslutte et forhold, kan du ta med to eller tre linjer der den andre personen spør hvor lenge forholdet varte.

5. 

   Inkluder avbrudd i dialogene. Selv når de ikke vil være uhøflige, avbryter folk hverandre hele tiden - selv for å gjøre positive avbrytelser, som "Jeg forstår" eller "Du har rett". Folk avbryter til og med dem selv: "Jeg ser, jeg har ikke noe imot å gi ham en tur på lørdag - men jeg er veldig opptatt med jobb i disse dager".
   • Ikke vær redd for å bruke setningsfragmenter. Så mye som denne praksisen ikke er godt vurdert i visse teksttyper, er den fortsatt vanlig i dagligdagse samtaler. For eksempel: "Jeg hater hunder. Alle av dem".

6. 

   Ta med instruksjoner til teamet. Dermed vil skuespillerne og andre agenter involvert i produksjonen forstå din visjon om stykket. Bruk kursive skrifter eller firkantede parenteser for å gi disse retningslinjene uten å forveksle dem med dialogene. Skuespillerne vil bruke sin egen kreative lisens for å tolke linjene, men du kan gi en mer generell retning:
   • Retningslinjer for samtale:.
   • Fysiske handlinger: e.
   • Følelsesmessige tilstander: ,, etc.

7. 

   Omskriv utkastet til delen så mange ganger som nødvendig. Stykket ditt vil ikke være perfekt med en gang. Selv erfarne forfattere trenger å korrekturleser teksten flere ganger før resultatet er tilfredsstillende. Ta den tiden du trenger! Legg til flere detaljer for hvert nytt utseende for å få arbeidet til å skje.
   • Selv når du legger til flere detaljer, husk at "Del" -tasten kan komme godt med. Tenk på det på denne måten: du kan til og med finne noe godt ved å ta det som er dårlig. Fjern alle dialoger og hendelser som ikke har noen emosjonell tyngde.
   • Generelt anbefaler eksperter at forfattere kutter ut delene som publikum ville hoppe over hvis de leste stykket.

Tips

• De fleste av skuespillene er satt til bestemte tidspunkter og steder. Være konsekvent. For eksempel: en karakter som bor på 1930-tallet kan ringe eller bruke en telegraf, men ikke se på TV.
• Se referansene på slutten av denne artikkelen (på engelsk) for å lære hvordan du følger riktig format på skuespillene.
• Improvis når det er nødvendig. Noen ganger er spontane taler enda bedre enn de originale!
• Les manuset høyt for et lite publikum. Skuespillene er basert på ord - og kraften eller mangelen på dem er åpenbar når det er denne testen.
• Ikke hold delen for deg selv. Prøv å publisere det for å vise at du skriver!
• Skriv flere utkast, selv om du er fornøyd med det første.

advarsler

• Teaterverdenen er full av ideer, men du må gi historien en original behandling. Å stjele andres arbeid er ikke bare plagiering, men en forbrytelse som nesten alltid er umasket.
• Beskytt arbeidet ditt. Ta med navnet ditt og året du skrev stykket på forsiden, etterfulgt av copyright-symbolet.
• Ikke bli motløs når stykket ditt blir avvist. Hvis du ikke blir akseptert en gang, kan du prøve en annen (selv om du må skrive et annet stykke).